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“How do you see yourself in the mirror? We do not ever see how others see us, we do not see how we really are. Wombs is some sort of dream about femininity.” 

Francesca Fini, Wombs.  

Por Naomi Orellana

Francesca Fini es una de las tutoras invitadas para el próximo laboratorio de video experimental, Vórtice. Posee una trayectoria tan vasta como híbrida. Su obra deleita y a la vez sorprende por la meticulosidad de la ejecución y precisión de los elementos que la componen y lo impredecible de su devenir.

Como buena perfeccionista, tiene un sitio web completísimo, francescafini.com, en el que es posible conocer su recorrido, su mirada respecto de su propio trabajo, y por supuesto, ver gran parte de su obra cinematográfica; además de registros de sus acciones performáticas -que son mucho más que un registro- así como fotografías y trabajos plásticos basados en sus películas o performances. Todo perfectamente ordenado y categorizado. Pueden pasar horas.

Naomi: Francesca, por donde partiste y como llegaste, si es que pudieras identificarlo, a desarrollar una obra transmedial.

Francesca: Comencé a expresarme con el video, pero siempre desde un enfoque profundamente experimental. El lenguaje de los medios audiovisuales tradicionales siempre me pareció limitante para lo que yo quería hacer. Digamos que se me dio naturalmente lo que ahora llaman “cine expandido”, incluso desde hace 15 años -cuando esta expresión no estaba tan extendida- buscando la contaminación con las artes vivas y las incursiones en el ciberespacio temprano. En el 2000 fundé la primera web TV italiana dedicada a la transmisión de presentaciones en directo de músicos independientes, mucho antes del nacimiento de las redes sociales y la proliferación del video streaming como práctica cotidiana. Esta posibilidad de hibridación, deformación y expansión de La experiencia audiovisual siempre ha sido mi fijación. Soy investigadora en comunicación artística, y esto me ha llevado naturalmente al trabajo transmedia.

N: Pienso en dos palabras cuando veo tus trabajos, sobre todo tus películas: impecable delirio ¿Significan algo para tí esos conceptos?

F: Me gusta mucho esta definición. Esas dos palabras suenan muy bien juntas y creo que definen mi trabajo de una manera sintética y original. Es verdad, busco la perfección, y la transformo en el contenedor de lo impredecible. Siempre he creado escenarios y sets muy complejos, con escenografías y fotografías diseñadas en el más mínimo detalle, a menudo dibujando máscaras y trajes muy elaborados (como en “Ofelia non annega”, mi último largometraje experimental producido y distribuido por Istituto Luce Cinecittà). Pero entonces la acción performativa que pongo en el centro de esta construcción maníaca es siempre auténtica, impredecible y abierta al delirio y al error simbólico (que voy buscando como el pote dorado al final del arcoíris).

La perfección es mi contenedor, la locura es siempre el contenido (y a veces viceversa).

N: ¿De dónde provienen tus referentes? Me imagino que no se limitan a las artes visuales o al cine. Qué te gusta o estimula.

¡La lista es muy larga! Hay una película en particular que es como una piedra angular: Tetsuo, de Shinya Tsukamoto. Algunos libros cruciales: “Monna Lisa Cyberpunk” de William Gibson, “Manifesto Cyborg”, de Donna Haraway (todos sus escritos y teorías son muy importantes para mí), todas las novelas de Milan Kundera y, más recientemente, Chuck Palahniuk. El proyecto de identidad compartida nacido en Italia con el experimento “Luther Blisset” y al mismo tiempo el trabajo de Pina Baush y su impecable puesta en escena. El dadaísmo y el futurismo italiano, pero también Caravaggio y Hieronymus Bosch. Espectáculos de Laurie Anderson y Stelarc, los videoclips de Peter Gabriel, las fotos en blanco y negro de las instalaciones de Nam June Paik, las intensas actuaciones de Carolee Schneemann y el videoarte de Peter Campus y Jan Svankmajer.

N: Qué odias. 
F: No odio nada … tal vez la superficialidad, pero admito que incluso la superficialidad puede ser sexy a veces.

N: Por qué no te dedicaste solo al cine, o solo a la performance, por qué la necesidad de mezclar.

F: Porque creo en la “obra de arte total”, donde no hay áreas específicas o campos de acción que estén realmente separados unos de otros. Filmar para mí es siempre estar registrando la verdad. Puede parecer extraño porque algunos de mis trabajos de video se ven artificiales, pero la intención es “aumentar” la dimensión de lo “hiperreal”. La realidad “aumentada” y la expresión artística, en mi trabajo cinematográfico, son sinónimos.

N: Te defines “básicamente como una performer”. “ La acción del cuerpo, generalmente mío, en el espacio y el tiempo es esencial en mi trabajo”, señalas. Por qué te resulta fundamental o indispensable trabajar desde allí.

F: Siempre he estado aquí. Me entrené en el gimnasio del performance art, donde todo lo que pasa es vivo y real – hic et nunc – y donde nadie juega un papel. Cuando actúo lo hago en mi nombre; siempre soy yo, arrastrando mi cuerpo en la unidad crucial del espacio y del tiempo, y todo lo que sigo es el camino de una intención que puede ser contradicha, traicionada, ignorada y abandonada en cualquier momento. No hay guiones, sólo hay la realidad del mundo que nos rodea – que nunca es “real”, pero siempre surrealista o hiperreal. Sólo trabajando con la combinación del cine y la performance, que es el borde más afilado del bisturí, puedo entrar en esta autopsia y profundizar en la dirección del mundo que nos rodea.

N: También te reconoces como “eterna feminista”, qué es para tí ser feminista y ser artista y qué relación ves entre ambas. 

Asumo que cada mujer debe ser feminista, así que soy feminista porque soy una mujer, incluso antes de ser artista. Si eres artista tienes una mayor responsabilidad. Esta responsabilidad proviene naturalmente de la lucha y muy a menudo, de los sacrificios que tienes que enfrentar. Muchos artistas famosos, hombres, tenían a  una mujer a su lado que les permitía tener una familia, un hogar, una vida sentimental satisfactoria, dedicándose enteramente a su talento. No es tan fácil para una artista encontrar a alguien que decida estar un poco separado, dejándote sola para nutrir tu talento. Y puesto que este trabajo te absorbe completamente, 24/7, las mujeres artistas a menudo se enfrentan a una vida de soledad. No lo digo por arrepentimiento o frustración. Esto me fortaleció, me hizo una especie de kamikaze. Eres inmediatamente consciente de que sólo puedes contar contigo mismo, y esto, de alguna manera, te ayuda a levantarte porque sabes que lo que ganes será por tu cuenta. El feminismo para mí, lejos de ser sólo una actitud sacrosanta como luchador y activista, es un profundo sentido de solidaridad con todas las mujeres que luchan por sí solas.

De performer a performer. Pregunta de Daniela Lillo, directora de INVE y gestora de Vórtice

D: Como yo lo veo, hacer video performance, es profundizar en el vacío entre la cámara y el cuerpo. ¿Qué rol cumple la cámara en tu obra? ¿Es una prótesis de tu cuerpo, un ojo vigía, un performista aparte?

Esta es una buena pregunta y yo diría que la cámara es para mí todas estas cosas juntas.
A menudo me pregunto cómo puedo reconciliar mi amor por el puro arte de la performance y mi obsesión por la grabación de video / streaming / manipulación de toda la experiencia (y su posterior circulación desconectada del tiempo y el espacio bajo el cual la experiencia materialmente ocurrió).
Podemos decir que mi trabajo se destaca en esta frontera entre la actuación en vivo y el video-performance, como una forma de arte independiente. Si eres un artista, estoy convencida de que la grabación de una actuación nunca dará lugar a una mera “documentación”.
El arte de la performance, que es una forma de perderme en una experiencia catártica con implicaciones impredecibles, me permite expresar mi lealtad a la Vida a través de la autenticidad. Al mismo tiempo, la “caja digital” en la que la versión video-performativa es inmortalizada, me permite respetar mi necesidad sin reservas de compartir mi voz en el mundo.

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